MAPU KUFÜLL (2020)

(Mariscos de tierra (hongos), 2020)

Video, 1920×1080, FULL HD, 5:33 minutos.
La Ocupación de la Araucanía o Pacificación de la Araucanía (1861-1883) fue una serie de campañas militares, acuerdos y penetraciones del ejército chileno y de colonos en territorio Mapuche que condujeron a la incorporación de la Araucanía al territorio nacional chileno. La mal llamada “Pacificación de la Araucanía” fue la expresión utilizada por las autoridades chilenas para esta guerra y la aculturación de los territorios de los indígenas Mapuche. 

Durante este período de guerra y hasta el día de hoy, los hongos son una fuente de alimentación muy importante para las comunidades Mapuche. Este saber ha persistido, en algunas comunidades que han transmitido su conocimiento de generación en generación,  técnicas para recolectarlos correctamente, sin dañar el micelio para que siga fructificando, con respeto al otro, sin infligir daño alguno.

Mapu Kufüll (mariscos terrestres) es la forma de designar a los hongos en el mapudungun y también el nombre de este ‘cuento’ animado que reflexiona sobre la perspectiva cosmológica del pueblo mapuche en relación con la recolección de hongos y cómo éstos han sido un símbolo de resistencia para las comunidades.

Dirección, edición y voz: Sebastián Calfuqueo

Animación 3D: Valentina Riquelme.

Texto original: Ange Valderrama

Traducción al inglés: Jorge Pérez

Colaboración especial del Museo del Hongo.

MAPU KUFÜLL (LAND SEAFOOD, 2020)

The Occupation of Araucanía or Pacification of Araucanía (1861–1883) was a series of military campaigns, agreements and penetrations by the Chilean army and settlers into Mapuche territory which led to the incorporation of Araucanía into Chilean national territory. Pacification of Araucanía was the expression used by the Chilean authorities for this war and acculutaration of the territories of the indigenous Mapuche.

During this period of war and until today, mushrooms are a very important source of food for Mapuche communities, so the grandparents teach the children the techniques to collect them correctly, without damaging the mycelium so that it continues to fructify, with respect to the other of not inflicting damage.

Mapu Kufüll (land seafood) is the Mapudungun name for mushrooms and also the name of this animated ‘story’ that reflects on the cosmological perspective of the Mapuche people in relation to mushroom picking and how mushrooms have been a symbol of resistance.

Kowkülen (Ser líquido, 2020)

Video, 1920×1080, 3 minutos.

Video compuesto por un pieza audiovisual y un texto autoral.

La obra realiza un recorrido corporal, personal y poético con respecto a las aguas, los humedales, los lagos, los mares, los ríos y las vertientes. El trabajo aborda el cuerpo, los binarismos, el género, la sexualidad, las relaciones históricas del agua y la vida, como también su potencial como un espacio vivo, necesario para las relaciones de todos los territorios.

Kowkülen (Liquid Being, 2020)

Video, 1920×1080, HD, 3 minutes.

Video composed by an audiovisual recording and the author’s writing.

The work goes through a bodily, personal and poetic journey regarding the water, wetlands, lakes, oceans, rivers and springs. The work addresses the concepts of body, binarism, gender, sexuality, the historical relationship between water and life, as well as their potential as a living space, necessary to the relationship of all territories.

Cámara y realización: Raúl Moncada y Cons Gallardo.

Ko ta mapungey ka (Agua también es territorio) (2020)

Instalación: 20 piezas de cerámicas esmaltadas de azul (3 caladas e intervenidas con texto) 5 lienzos con dibujos y escritos en pigmento azul cobalto, incienso de hierbas (Eucalipto y Pino) y video performance (15 min)

La obra hace una relación poética y política en torno al agua, el cuerpo, la lengua mapuche y el territorio. En una combinación de técnicas, la instalación propone un recorrido que atraviesa las toponimias del agua en el mapudungun (Foyeko, Kallfüko, Kürruko, Renayko, entre otros), la escritura insistente de “Mapu kishu angkükelay, kakelu angkümmapukey” (la tierra no se seca sola, otros la secan), el mapa del territorio que hoy comprende Chile y también un extracto de los artículos 5 y 9 del código de aguas hecho en 1981, en plena dictadura militar y que norma hoy el agua como un mueble transable en el mercado.

Otras piezas que componen la obra son cerámicas vaciadas de contenedores de agua, de distintas capacidades y tamaños en distintos tonos de azul e intervenidas por medio de un calado con los textos: “SEQUÍA”, “SAQUEO” Y “PETORCA LEWFÜ (río Petorca).

La última parte de la obra es un registro de performance en donde aparece el rostro del artista dibujado con la Guñelve (Lucero del amanecer), símbolo de la resistencia mapuche.

La obra busca poner en cuestión los vínculos históricos del agua y el pueblo mapuche en relación con el extractivismo neoliberal presente en Chile y su modelo privatizador del agua.

Ko ta mapungey ka (Water is also territory, 2020)

Installation: 20 blue enameled ceramic pieces (3 carved and intervened with text), 5 canvases with drawings and writing in cobalt-blue ointment, herb incense (eucalyptus and pine) and video performance, 1920×1080,FULL HD,15 minutes.

The work establishes a poetic and political relationship between the water, the body, the Mapuche language and the territory. In a combination of techniques, the installation proposes a path that goes through the water toponymies in Mapudungun (Foyeko, Kallfüko, Kürruko, Renayko, among others), the insistent message “Mapu kishu angkükelay, kakelu angkümmapukey” (The soil does not dry by itself, others dry it), the map of the territory that today corresponds to Chile and extracts of the articles 5 and 9 of the Chilean Water Code published in 1981, in the middle of the dictatorship, which established the water in Chile as a marketable good.

Other pieces of the work are ceramic moldings shaped as water containers of different capacities and sizes in shades of blue, intervened with the concepts: “SEQUÍA”, “SAQUEO” Y “PETORCA LEWFÜ” [DROUGHT, LOOTING, PETORCA RIVER].The last part of the work is a performance recording showing the artist’s face with a Guñelve (Morning Star), symbol of the Mapuche resistance, painted on their face.

The work seeks to question the historical bonds between the water and the Mapuche people in relation with the neoliberal extractivism present in Chile and its water-privatizing model.

Photos: Diego Argote.

Bodies in resistance. (2020)

Accionado en Knowledge of Wounds, Performance Space, Nueva York, EE.UU.

La performance “Bodies in resistance” recopila, desde relatos coloniales, diversas formas de denominar la “sodomía” en el mapudungun, lengua del pueblo Mapuche. En la puesta en escena de la performance, el artista trabaja la relación de la colonización y la evangelización como prácticas de normalización y exterminio a las identidades no heterosexuales presentes antes del proceso colonial europeo.

La obra trabaja con el cuerpo, la resistencia, el color azul, el sonido y la relación del pelo con la cosmovisión mapuche, tensando imaginarios coloniales del género construidos por occidente. En la capucha utilizada en la acción se dibuja una Guñelve (Estrella que representa el lucero del amanecer o venus) simbolo de la resistencia mapuche.

Bodies in resistance

Performed at Knowledge of Wounds, Performance Space, New York, USA.

The performance “Bodies in resistance” collects, from colonial accounts, diverse ways to name “sodomy” in Mapudungun, the Mapuche language. In the actual staging of the performance, the artist deals with the relationship of the colonization and evangelization as the means utilized by the Spanish to normalize and wipe out the non-heterosexual identities that existed before the European colonial process.

The work utilizes the body, the resistance, the color blue, the sound and the relationship of the hair and the Mapuche world view, straining colonial imaginaries of the gender built by the Western world. The hood utilized in the action has a guñelve (star that represents the Morning Star or Venus), symbol of the Mapuche resistance.

Photos: Alejandro Salazar.

Kangechi (2019)

Instalación: Resina epóxica, escarcha negra y pelo sintético sobre muro.

Dimensiones variables.

Un rostro enmarcado escupe pelo formando la frase “kangechi” que en su traducción al castellano significa “lo otro”. La obra busca desde la lengua mapuche buscar maneras para denominar lo que socialmente no está permitido.

Kangechi (2019)

Instalation: Epoxy resin, black glitter and synthetic hair on a wall.

Various dimensions.

A framed face spits hair forming the phrase “kangechi” which is translated as “the other”. The work tries, from the Mapuche language, to seek ways to name something that is not socially allowed.

Photos: Juan Pablo Murrugarra

 

Tañi laku Pedro Calfuqueo ka kuku Isolina Huechucura. (2018)

Instalación: 2 fotografías de 90×60 cm enmarcadas y 2 esculturas hechas en cerámica con lustre de platino de 45 cm aprox.

La historia en torno a la resistencia mapuche ha sido representada, principalmente, por grandes toki y lideres mapuche. Mas, las identidades de aquellos sujetos migrantes, producto de la diáspora forzada que realizaron los indígenas de Chile desde los años 40 hacia la capital, nunca han sido visibilizadas como parte del espectro y de la cosmovisión mapuche. Es en estas identidades en las que se reprodujeron los oficios como los que mis abuelos tuvieron que realizar, sin alternativa, por ser mapuche: nana y panadero. En esta obra personifico sus identidades por medio del maquillaje y la caracterización del recuerdo que tengo de ellos. En lo objetual se compone de dos esculturas de cerámica en lustre de platino, material que intenta imitar la plata, metal utilizado en la orfebrería mapuche.

My grandfather Pedro Calfuqueo and my grandmother Isolina Huechucura

Installation: 2 framed photographs of 90×60 cm and 2 sculptures made in ceramic with platinum varnish of circa 45 cm.

The history around the Mapuche resistance has been symbolized in great toki (military leader) and Mapuche leaders that took part of this history. The migration processes of other stories from the country side to the city, were never made visible by the construction of the otherness, the indigenous within the city. From the jobs that, forcibly, my grandparents had to perform because of being Mapuche: maid and baker, I personify their identities by means of make-up and the characterization I remember from them. In objectual matters the work is composed by two sculptures made in ceramic with platinum varnish, material that tries to imitate silver, a metal used in the Mapuche silversmithing.

Photos: Diego Argote.

Mirar (2019)

Instalación fotográfica, 5 fotografías de 100×66,7 cm.

Esta obra exhibe miradas de distintas identidades, físicamente similares, pero que no corresponden al mismo ser. La mirada de Sebastián Calfuqueo, Marcela Monsalve y Millaray Calfuqueo están dispuestas en esta instalación fotográfica que intenta cuestionar al espectador a quién corresponde cada una de estos fragmentos. A su costado se exhibe un retrato de Marcela y Sebastián que propone tensar las relaciones entre lo femenino y masculino de la imagen de ambos.

To gaze

Photographic installation: 5 photographs of 100×66,7 cm.

Diverse gazes of different identities are assimilated by their physical features, but those gazes do not correspond to the same being. The gaze of Sebastian Calfuqueo, Marcela Monsalve and Millaray Calfuqueo are placed within this photographic installation, which tries to question the viewer on who is each one of the fragments. Next to it, there is a portrait of Marcela and Sebastián, which tightens the relationship between what is masculine and what is feminine in their images.

Photos: Diego Argote y Juan Pablo Murrugarra.

 

 

A imagen y semejanza (2018)

Instalación: Fotografía 110×65 cm, 2 fotografías de 4×2 cm, repisa y lupa.

El trabajo consiste en una reinterpretación del cuerpo femenino, a partir de dos fotografías, la primera corresponde a una indígena Yagana (1882-1883) y la segunda a una postal erótica de una mujer blanca europea (circa 1880), ambas comparten la misma pose. Estas referencias nos muestran una idea en torno al deseo y la representación de la feminidad. La reinterpretación es encarnada por el cuerpo del artista, quien posa feminizado en un retrato a escala y constituye, a imagen y semejanza, una tercera “mujer”. La instalación se despliega con la fotografía de mayor tamaño en la que vemos al artista y las dos fotografías en miniatura puestas en las pinzas metálicas de una lupa de estudio. Este elemento busca reforzar la mirada que recae sobre estos cuerpos, acentuando una mirada cientificista y fetichista. La obra busca relacionar la construcción del deseo por el cuerpo femenino con el pudor impuesto sobre el mismo desde la colonialidad del género.


To her image and likeness (2018)

Installation: Photograph 110×65 cm, 2 photographs 2×4 cm, shelf and magnifier.

This work consists on a reinterpretation of the female body by means of two photographs. The first one being a Yagán indigenous woman (1882-1883) and the second one to an erotic postcard of a white European woman (circa 1880), both sharing the same pose. These references show us an idea around the desire and the representation of femininity. The reinterpretation is embodied by the artist’s own body, who poses in a feminine way on a scale and constitutes, to her image and likeness, a third “woman”. The installation is displayed starting with the biggest photograph, in which we see the artist, and the two other miniature photographs, placed in the metallic pliers of a studio magnifier. These elements seek to reinforce the gaze upon the bodies, accentuating a scientific and fetishistic view. The work seeks to relate the construction of the desire for the feminine body with the shyness imposed over the same body since the colony of the gender.

Photos: Diego Argote.

Costumbres de los Araucanos Gay. (2018)

Instalación: Textos intervenidos con pigmento dorado, grabado símil de Claudio Gay en aguafuerte y aguatinta, marcos negro y dorado.

El trabajo está compuesto por un grabado, que es una copia inexacta de una litografía de Claudio Gay, realizado en la técnica de aguafuerte y aguatinta, este grabado se ubica en el centro y articula el montaje. A los costados se presentan las reimpresiones de las páginas de un libro titulado “Confesionario por preguntas y pláticas doctrinales en castellano y araucano: según el manuscrito inédito del misionero franciscano Fray Antonio Hernández Calzada (1843)” re-editado en 1907. Estas páginas traen una serie de preguntas, escritas en español y mapuzungun (tal como el libro original), sobre las costumbres y deseos sexuales, realizadas y pensadas para la confesión de mapuche. En un castellano antiguo se interroga por las prácticas sexuales, las que incluyen sodomía y zoofilía, por mencionar algunas, permitiéndonos ver la manera en que la religión fue estigmatizando y condenando una sexualidad libre de la moral que ellos profesaban.


Customs of the Gay Araucanos

Installation: texts intervened with golden pigment, engraving similar to Claudio Gay’s engraving made in etching and aquatint, black and golden frames.

The work is composed by one engraving, which is an inexact copy of a lithograph made by Claudio Gay, made using the etching and aquatint techniques, this engraving is placed in the middle of the work and articulates the assembly. To the sides there are reprints of the pages of a book called “Confesionario por preguntas y pláticas doctrinales en castellano y araucano: según el manuscrito inédito del misionero franciscano Fray Antonio Hernández Calzada (1843)” reedited in 1907. These pages contain a series of questions, written in Spanish and Mapuzungun (same as in the original book), about the customs and sexual desires, made and thought for the Mapuche confession. In old Spanish they are questioned on their sexual practices, which include sodomy and zoophilia, for mentioning a few, allowing us to see the way in which religion stigmatized and condemned a moral of free sexuality, which they practiced.

Photos: Diego Argote.

Buscando a Marcela Calfuqueo

Video, 1920×1080, HD 10 minutos

Obra que registra la búsqueda y posible re-encuentro con Marcela Monsalve. Marcela es una mujer que Sebastián Calfuqueo conoció en un encuentro casual y azaroso. Ambos, tiene un parecido físico innegable, podría decirse que son visualmente iguales, pero contrarios en su sexo biológico. El encuentro casual y el parecido físico que sorprendió a ambos, hizo que mantuvieran una relación de amistad de 2 años, que finalizó porque de modo repentino perdieron el vínculo y fue como si Marcela desapareciera sin dejar rastro, tal como llegó, se fue. Para Sebastián el encuentro casual con una persona físicamente muy similar significó el hallazgo de su feminidad sin feminizar su propia identidad. Es por ello que establece una estrategia no convencional para encontrarla o quizás encontrarse. Por medio de varias sesiones de la técnica de radiestecia, realizadas por Sergio Palominos, rastrearán a Marcela Monsalve, con el fin de encontrar su feminidad: Marcela Calfuqueo.


Looking for Marcela Calfuqueo (2018)

Video, 1920×1080, HD 10 minutes.

Looking for Marcela Calfuqueo  is a video work that registers the process of searching and possible reencounter with Marcela Monsalve, a woman to whom Sebastián Calfuqueo met coincidentally. Sebastián and Marcela look undeniably alike. It could even be said that they are visually identical, but contrary in their biological sex. Both, surprised by their physical resemblance, kept a relationship for about two years that ended suddenly given they had lost contact: Marcela disappeared without a trace. The same way she came to his life, she left. For Sebastián the encounter with somebody whose appearance was similar to his meant the discovery of his so-longed femininity without the need of feminizing his own identity. That is why he established an unconventional strategy in order to find her or maybe to find himself. Alongside Sergio Palominos, a dowser, they are going to use the tele-radiesthesia with the purpose of finding her and, at the same time, finding Sebastián’s lost femininity: Marcela Calfuqueo.

Video y edición: Juan Pablo Faus.

KANGELU

“Kangelu” (del mapugundun traducida como: otro tipo, de otra clase, desde otro) (2018)

Instalación, 3 fotografías de alta calidad 120×90 cm cada una y 6 textos, 8×2 metros montaje.

Es una instalación que se compone de una serie de 3 fotografías dobles. Se solicitó a 6 personas que describieran personajes ficticios haciendo un total de 6 textos, 2 por categoría. Las categorías propuestas fueron“Maricón sushi”(Nombre con el que sus compañeros hostigaban al artista en el colegio),“Millaray Calfuqueo Aliste”(Nombre que el artista hubiera tenido en caso de nacer mujer) y“Homosexual y mapuche”(Categoría que ha recorrido la identidad del artista para enunciarse en diversos espacios). Los colaboradores elaboraron dos textos en castellano, dos textos en lenguas extranjeras (Inglés y portugués) y dos en lengua mapudungun. Los textos se trabajaron en 3 pares confrontando ambas descripciones propuestas por distintos individuos en las que se propone experimentar las representaciones posibles que dan forma a la identidad del artista. Lo incierto/ambiguo está en la construcción de la descripción física a partir del relato de otro. Lo anterior busca evidenciar la discordancia entre lo figurativo y lo abstracto que el relato descriptivo de “un otro” tiene. El resultado de estas descripciones se llevó a cabo por medio de la técnica de la fotografía. Cada una de las descripciones recibidas fueron personificadas por el artista dando como resultado múltiples representaciones e identidades.


Kangelu (2018)

Installation, three 120×90 high-resolution photographs each and six texts.

“Kangelu” (translated from the Mapuzungun as: another kind, another class, from another [one]) is an installation made of a series of three double photographs. Six people were asked to describe fictitious characters making a total of six texts, two per category. The proposed categories were as follows: “Sushi Faggot” (Name the artist’s classmates used to bully him with during high school), “Millaray Calfuqueo Aliste” (Name the artist would have had in case of being born a woman) and “Homosexual and Mapuche” (Category that has been used to describe the artist in diverse media). The contributors made two texts in Spanish, two in foreign languages (English and Portuguese) and two in Mapuzungun. The texts were made in three couples confronting both proposed descriptions by different individuals which invite the beholders to experience the possible representations that give shape to the artist’s identity according to the contributors. The uncertain/ambiguous lies in the construction of the physical description from another person’s account. The latter seeks to evince the disagreement between a figurative and an abstract construction which the descriptive account from “the other” has. The result of these descriptions was accomplished by means of photographs. Each one of the received descriptions was embodied by the artist, resulting in different representations and identities.

Photos: Diego Argote.

Welu kumplipe (2018)

Welu kumplipe (2018)

Instalación: Video performance, 1920×1080, HD, 3 minutos y texto de tierra con resina.

“Welu kumplipe” es una instalación que se alimenta del documental del cineasta Raúl Ruíz “Ahora te vamos a llamar hermano” filmado en año 1971, en el contexto del gobierno de la Unidad Popular y la promulgación de la Ley indígena del mismo año. La investigación del trabajo consta de la re-traducción de textos del teórico del arte Cristián Vargas Paillahueque, tomando particularmente el discurso de un hombre joven acerca de la necesidad de la autonomía territorial de espacios históricamente pertenecientes al Wallmapu. Con esto se construye un relato similar en sus formalidades visuales y en la reinterpretación del discurso bajo la voz del artista en mapudungun, apoyado con la frase “Welu kumplipe” construidas en letras hechas en Tierra, que se traduce como “Que nos cumpla”, en referencia a la demanda ancestral hecha al presidente de Chile en la época, Salvador Allende.


Welu kumplipe (2018)

Installation: Video performance, 1920×1080, HD, 3 minutes and soil and resin text.

Welu kumplipe is an installation that feeds off the documentary “Ahora te vamos a llamar hermano” (“Now we are going to call you brother”) by filmmaker Raúl Ruiz, filmed in 1971, in the context of the “Unidad Popular” government and the promulgation of the Indigenous Law that same year. The work’s research consist in the retranslation of texts from the art theorist Cristián Vargas Paillahueque, dealing particularly with the speech of a young man about the necessity of territorial autonomy in places that historically belonged to the Wallmapu. With the above mentioned a similar story is built in the reinterpretation of the speech and its visual formalities said by the artist in Mapudungun. The speech is supported by the phrase “Welu kumplipe” made with soil letters and translated to “he ought to fulfill what has been promised”, in reference to the ancestral claim made to the Chilean president of that time, Salvador Allende.

Photos: Diego Argote.


 

Alka Domo

Alka domo (2017)

Video performance, 1920×1080, FULL HD, 17 minutos.

Alka domo es un trabajo performático que refiere a la hazaña hecha por Caupolicán, toqui mapuche elegido en su comunidad luego de completar el desafío de cargar dos días un tronco en su espalda. Basado en este relato, y revisando referencias de lo masculino en la figura de Caupolicán, se realiza la acción de cargar un tronco “hueco” de Coihue, madera ancestral de la zona sur de Chile, y siete pares de zapatos de taco alto con colores que componen la bandera LGBT.
“Hueco” es el término con el que en Chile se refiere, despectivamente, a identidades que escapan de la heterosexualidad, y que son problemáticas para el sistema patriarcal. Los lugares elegidos dentro de esta acción representan espacios del relato oficial sobre el mapuche en Chile, puntos donde se evidencia la complejidad de la interacción entre lo chileno y lo mapuche, junto con territorios asociados a la biografía personal del artista.


Alka domo (2017)

Video performance, 1920×1080, FULL HD, 17 minutes.

Alka domo is a performative work that appeals to the feat made by Caupolicán, Mapuche toki elected by his community after completing the challenge of holding a log on his shoulders for two days. Based on this story, and revising references of Caupolicán’s masculine figure, the artist holds a hollow trunk made of “coihue”, a type of ancestral wood from the South of Chile, and seven pairs of high heels each one with one of the colors from the LGBT flag. “Hollow” (“Hueco”, in Spanish) is the derogatory term that Chilean people use to refer to non-heterosexual people, identities that are problematic to the patriarchal system. The chosen places for this performative action represent areas of the official description of the Mapuche subject in Chile, places where the complexity of the interaction between what is Mapuche and what is Chilean is evinced, alongside with territories associated to the artist’s own biography.

Video y edición: Juan Pablo Faus.

Millaray Calfuqueo Aliste: Nombre para un posible nacimiento (2017)

Instalación: Video Performance, 1920x1080x HD, 3 minutos y 4 fotografías.

El trabajo consiste en un performance, emplazada en la vitrina de la Galería Gabriela Mistral donde, por medio de un instructivo que contiene indicaciones de personalidad, características raciales, vestuario y accesorios, se propone a los espectadores de la acción la posibilidad de crear 4 identidades. Millaray es el nombre para un posible nacimiento en caso de que el artista hubiese nacido mujer, en una familia en que sólo han nacido hombres. La traducción del nombre mapuche significa “Flor de oro” en castellano.

El trabajo permite crear identidades extrañas, disociadas de la imagen tradicional del mapuche. Explora los limites de la categoría indígena en la modernidad, poniendo en evidencia la manera en que la mirada del otro es la que designa los territorios fijos asociados a Millaray.


Millaray Calfuqueo Aliste: Name for a possible birth (2017)

Installation: Video Performance, 1920x1080x HD, 3 minutes and 4 photography record.

The work consists of a performance made through the display window of the Gabriela Mistral gallery that, by means of a wall with options of personality, racial features, clothing and accessories, ask the viewers to create four identities. Millaray is the name for a possible birth in case the artist would have been a girl, in a family where only men have been born. The translation of the Mapuche name means “Golden Flower” in English. The work allows us to create odd identities, dissociated from the traditional image of the Mapuche subject. It explores the limits of the indigenous category within modernity, revealing the way in which the glance of the other is the one that designates the fixed territories associated to Millaray.

Photos: Diego Argote, Sillas Henrique y Lorna Remmele.

Millaray Calfuqueo Aliste Nombre para un posible nacimiento from Sebastian Calfuqueo on Vimeo.

Mürke ko (Aguita con Harina tostada)

 Mürke ko (Aguita con harina tostada)(2016)

Instalación: Resina, pelo sintético y tierra. 5×5 metros.

El trabajo consta de una pieza a escala del autor hecha en tierra y resina conjunto a un lote de pelo sintético negro dispuesto circularmente en el piso de la galería.

“Mürke ko” o “willpüd”, traducido al castellano, es la mezcla del mürke (harina tostada) y ko (agua), “Aguita con harina”, el cual es un término que se aplica en la cultura mapuche para referir a la mezcla, lo hibrido o que carece de pureza racial. Esta palabra se asocia a identidades champurriadas (“mestizas”) en el territorio chileno que, pese a tener ascendencia indígena, no son reconocidas como puras o partes de la cultura oficial chilena ni mapuche, quedando en el margen, en crisis, habitando un espacio liminal.

La figura dispuesta en el montaje de la obra refiere a un sujeto inmóvil, simulando una momia “contemporánea” construida en tierra y resina, que invertida crece y crece cabello, repitiendo y formando en suelo variantes en castellano y mapudungun de lo “champurriado”. Para la cosmovisión mapuche, el cabello refiere a una extensión de la energía y los pensamientos. El largo y color refiere a una identidad cultural en la que “El mapuche debe usar el cabello largo”, según un prejuicio de cómo debe ser un sujeto de esta cultura.

Esto busca problematizar la existencia de una identidad que deba someterse a la pureza racial o definirse bajo cierto parámetro de binarismo: chileno o mapuche, cuestionando la homogeneidad de identidades dentro de este contexto. Por otro lado, está la tensión de los materiales dispuestos: tierra, un material vivo encapsulada por la resina y el cabello sintético, simulando el nexo entre lo que jamás se pudre o deja de crecer: el cabello humano.

Léxico:

-Champurreado: Referencia a algo mixto.

-Diwüllmollfüñngey: De sangre revuelta.

-Ka mollfüñ: Otra sangre.

-Ka tripache: Salió de otro lugar (extranjero).

-Wilpüd o mürke ko: Agüita con harina.

-Paraguay: Término que también se emplea para designar a alguien de carácter “mestizo”.

Traducción: Cristián Vargas Paillahueque.

 

 

Mürke ko (Water with toasted wheat flour) (2016)

Installation: Resin, synthetic hair and soil. 5×5 meters.

The work consists in a scale piece of the author made with soil and resin and a set of synthetic hair disposed in a circle in the gallery’s floor. “Mürke ko” or “willpüd”, translated to English, is the mixture between the “mürke” (toasted wheat flour) and “ko” (water). “Water with flour” is a concept applied in the Mapuche culture to refer to the mixture, the hybrid or something that lacks racial pureness. This word is also associated to the “champurriadas” identities (identities of mixed-races) in the Chilean territory, territory that although having indigenous ancestry, does not recognize those identities as pure or part of the official Chilean or Mapuche culture. Those identities are outside, in crisis and inhabiting a liminal space.

The shown figure in the work recounts an immobile subject, simulating a “contemporary” mummy built from soil and resin, that upside down grows hair repeating and giving shape in the floor to many versions in Spanish and Mapuzungun of what the word “champurriado” means. For the Mapuche world view, the hair refers an extension of the energy and the thoughts. The length and the color relate a cultural identity in which “the Mapuche must wear their hair long”, according to a prejudice on how must a subject from this culture be. This seeks to question the existence of an identity that must obey a racial pureness or define itself under a certain binary parameter: Chilean or Mapuche. Questioning the homogeneity of identities within that context. On the other hand, there is the tension of the used materials: soil, a living material encapsulated by the resin and the synthetic hair, simulating a link between that that never rots or stops growing: the human hair.

Glossary:

-Champurriado: Referencing something racially mixed.

Diwüllmollfüñngey: Something that has mixed blood.

Ka mollfüñ: Related to another blood.

Ka tripache: Coming from another place (alien, foreign)

Wilpüd or mürke ko: Water with wheat flour

-Paraguay: concept also used for describing somebody of “mixed” character.

Translate: Cristián Vargas Paillahueque.

Photos: Diego Argote.

 

Espacio ajeno (2016)

Instalación: Maquetas hechas de tierra, ceniza, cartón y silicona.

ESPACIO AJENO se construye a partir del relato de un ciudadano peruano, José Rodríguez, residente en Chile hace 13 años. Por medio de un audio, él describe el espacio habitacional donde durmió en su infancia, construcción emplazada en la cuidad de Tarapoto del departamento de San Martín, en plena selva peruana. En contraste, José describe después el espacio habitacional donde llegó a dormir en sus primeros quince días en Santiago, hacinado en un habitáculo de 1,5 x 2 x 2 metros, compartido con otras tres personas más, dónde dormían, cocinaban e incluso comían en el mismo lugar y al mismo tiempo.

El proyecto consta de una instalación compuesta por dos piezas conectadas: La primera corresponde a una maqueta escala 1:3 de un espacio de 66 x 50 cm construido en madera y tierra de hojas, elaborado a partir del relato de audio antes mencionado. La segunda corresponde a otra maqueta en escala de 1:3 de un espacio de 134 x 100 cm construido en madera y ceniza pulverizada, elaborado también a partir del relato de audio. Ambas piezas son soportadas por una estructura de madera que conecta ambos objetos y lo unifican, siendo un objeto transitable, donde es posible hacer comparaciones entre las dimensiones y espacialidades que tiene cada construcción. Los materiales con los que se arman los espacios-habitaciones (tierra y ceniza) son de dos fuentes: el primero, un material orgánico estructural dentro de construcciones; el segundo, un residuo de un proceso de combustión.

 

Alien Room (2016)

Installation: Mockups made with soil, ashes, cardboard and silicon.

ESPACIO AJENO was made from a Peruvian citizen’s story. He was named José Rodríguez that has been residing in Chile for thirteen years. By means of a sound recording, he describes the housing space where he used to live during his childhood, a building in the city of Tarapoto in the San Martín department, in the middle of the Peruvian jungle. In contrast, José describes the housing space where he slept his first fifteen days in Santiago, cramped in a room of 1,5x2x2 meters and sharing the room with other three people. That room is where they slept, cooked and even ate at the same time.

The project consists of an installation composed by two interconnected pieces: The first one corresponds to a 1:3 scale mockup, with dimensions of 66×50 centimeters built in wood and topsoil. The second one corresponds to another 1:3 scale mockup, with dimensions of 134×100 centimeters built in wood and fly ash. Both mockups were created after the description in the sound recording. Both pieces are supported by a wooden structure connecting both objects, unifying them, being passable, and making possible to compare the dimensions and the space each construction has. The materials with which the rooms were built (soil and ash) are from two sources: the former, an organic building material, while the latter, the waste from a combustion process.

Photos: Diego Argote.

 

Gato por liebre

Instalación: Cerámica, Yeso piedra, Resina poliéster, Porcelana y silicona con pigmentos. 170x100x80 cm.

“Gato por libre” es trabajo que hace referencia hacia la popular escultura “Caupolicán” del pionero de esta técnica en Chile: Nicanor Plaza. La obra supone retratar al toqui Caupolicán registrado por Alonso de Ercilla en su famosa pieza literaria “La Araucana”. La pieza fue participe de salón de yeso de París en el año 1866, donde fue presentada como “The last of Mohicans” (El último de los Mohicanos), representando a indígenas que habitaron la zona norte del continente americano. Tras no ganar, Plaza volvió a presentar la obra en la exposición de Artes e industria en 1872, obteniendo el primer lugar luego de cambiarle el nombre a “Caupolicán”. La escultura ha sido polémica, pues no representa la morfología de un mapuche. Los aros en la oreja y su penacho (tocado de plumas) no coinciden con la figura del toqui descrito por Alonso de Ercilla, cuestión evidente si nos remitimos al real motivo de su creación.

Por medio de reproducciones de una escultura de mala calidad encontrada en un persa en Valparaíso, realizado en materiales de diverso origen —nobles y no tanto—, se disponen distintas figuras, de diferentes acabados y formas, que remiten a al modelo propuesto por Plaza para catalogar a un mapuche, enarbolando la pregunta sobre las múltiples formas en que este sujeto puede representarse.

 

Gato por liebre (2016)

Installation: ceramic, plaster, polyester resin, porcelain and pigmented silicon. 170x100x80 cm.

Gato por liebre is a work that refers to the popular sculpture Caupolicán by the pioneer in this technique in Chile: Nicanor Plaza. The work reportedly portraits the toki Caupolicán registered by Alonso de Ercilla in his famous literary piece La Araucana. The sculpture was presented in the gypsum salon in Paris in 1866, where it was presented as “The last of Mohicans”, portraying indigenous people that inhabited North America. After losing the first prize, Plaza presented the piece again in the “Artes e Industria” exhibition in 1872, wining first place after changing the work’s name to Caupolicán. The sculpture has been controversial, since it does not represent the Mapuche morphology. The earrings and the crest do not match with the figure of the toki described by Alonso de Ercilla, a clear fact if we realize the real reason why the piece was created in first place.

Using as an example a low-quality sculpture, made with diverse origin materials –some noble while others not–, that was found in a flea market in Valparaíso, sculptures with different finishing coats and shapes were displayed. The sculptures send us back to Plaza’s proposed model about how to classify a Mapuche person, giving shape to the question about the multiple ways this subject can be represented.

Photos: Diego Argote.

 

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Fotografías: Diego Argote

Vivienda predeterminada (2016)

Instalación: Coligues, Madera y luz dirigida, 5×3,5 metros.

“Vivienda predeterminada” Es una instalación que aborda el problema habitacional, desde lo general hasta un asunto especifico, en este caso, el proyecto de vivienda social mapuche de Undurraga Devés Arquitectos, generado el año 2011 para beneficiar a 25 familias mapuches dispuestas a insertarse en la sociedad “moderna” sin perder sus “tradiciones y costumbres”. Este proyecto habitacional, impulsado por el Ministerio de la Vivienda y la fundación Un Techo para Chile tomó una vivienda social de 61 metros cuadrados y 2 plantas como base para la construcción de un modelo de casa contemporáneo-mapuche, combinando lo funcional de un espacio tradicional actual con una ruca, interviniendo la fachada de este inmueble con ventanales cruzados con coligües, árbol nativo dispuesto ahí para simular la sombra de los troncos por dentro. Dicho procedimiento arquitectónico parece ser puramente estético y sin ninguna funcionalidad real, ni consciente de la construcción de la identidad de un mapuche. De acuerdo a una entrevista al grupo de arquitectos: “La luz tenue y fragmentada al interior de las viviendas evoca una atmósfera que nos remite a la penumbra de las rukas, dando lugar a un tiempo propio, diferente al que corre afuera en la ciudad”. El trabajo consta de una instalación símil a escala de la fachada de esta vivienda social mapuche, dispuesta de manera vertical, permitiendo su recorrido bajo luces dirigidas que realizan sombras duras sobre la superficie del suelo. Además, este proyecto consta de un material de uso, dispuesto al costado del trabajo, dónde indica las acciones que se debe realizar bajo este soporte, satirizando la interacción que el proyecto propone.

Predetermined housing (2016)

Installation: Coligües, wooden and directed light, 5×3,5 meters.

Predetermined housing is an installation that addresses the housing problem, from a general point of view to a specific matter, in this case, the project of Mapuche state housing made by Undurraga Devés Arquitectos. The project was created in the year 2011 in order to benefit 25 Mapuche families willing to be inserted in “modern” society without losing their “traditions and costums”. This housing project, propelled by the Ministerio de la Vivienda and the foundation “Un Techo para Chile” took a house of 61 square meters and 2 floors as the base for the construction of the model of a Mapuche-contemporary house. Combining the functional of a traditional space with a “ruka”, intervening the front of the building with windows decorated with “coligües”, native tree disposed there to simulate the shadow of the logs to the inside. The above-mentioned architectural procedure seems to be simply aesthetical and lacking any real functionality, not even being conscious of the construction of the Mapuche identity.

According to an interview to this architects’ firm: “the faint and fragmented light inside the houses evokes an atmosphere that sends us to the dim light of the “rukas”, allowing the ones inside to have their own time, different from the one that flows outside, in the city”. The work consists in an installation similar to the front of the Mapuche housing project, disposed in a vertical way, allowing going across the installation under the directed lights that perform strong shadows on the floor. Additionally, this project has a user’s guide, right next to the installation, where indications on how to proceed under this support, mocking the interaction that the project proposes.

Photos: Diego Argote.

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Domo (2016)

Vídeo, 1920×1080, HD, 18 minutos.

Domo es una pieza de video en que, por medio de relatos de diversas mujeres mapuche, es posible visibilizar el encuentro de dos saberes que son negados dentro del contexto chileno: La aproximación a una cosmovisión mapuche y el feminismo. El proyecto nace bajo la necesidad de poner en cuestión, por medio de la imagen y el relato de mujeres de diversas áreas, las imposiciones arbitrarias a “mujeres” de un patriarcado que atraviesa también la condición mapuche. La pieza audiovisual trata de pensar la categoría de ser un sujeto femenino e indígena en un mundo patriarcal.

 

Domo (2016)

Video, 1920×1080, HD, 18 minutes.

Domo is a video recording in which, by means of diverse Mapuche women, it is possible to make visible two different branches of knowledge, branches that are denied inside the Chilean context: the approximation of a Mapuche cosmovision and feminism. The project was created under the need of questioning, by the usage of the image and the stories of women of different areas, the arbitrary impositions towards “women” made by a patriarchy that pierces also the Mapuche condition. This audiovisual installation tries to think the category of being a feminine and indigenous subject in a patriarchal world.

You will never be a Weye (2015)

Video performance, 1920×1080, HD, 4:46 minutos.

La historia que se inicia con la conquista europea nos ha negado un conjunto de conocimientos sobre nuestras propias culturas indígenas, negación que también se extiende –por mandato del patriarcado– al dominio sobre nuestras identidades y cuerpos. Antes de la llegada de los españoles a las tierras que están cercadas por las fronteras políticas del estado de Chile, existieron los Machis Weyes: sujetos que no se adecuaban al binarismo de género: podían transitar tanto en lo femenino como en lo masculino, lo político (ligado a los hombres) y lo espiritual (en manos de las mujeres).

Estas prácticas quedaron registradas en la crónica del español Francisco Núñez de Pineda y Bascuñán, quién describe a los Machis Weyes en su libro Cautiverio Feliz, de 1673: “Este parecía un Lucifer en sus facciones, talle y traje. Andaba sin calzones porque era de los que llamaban hueyes, es decir, nefandos, y de los que entre ellos se tienen por viles, por acomodarse al oficio de mujeres”.

Los Weyes fueron exterminados casi en su totalidad con la llegada de los españoles a las tierras. Su aniquilación se fundamentó, principalmente, a la acusación de cometer el pecado de sodomía, de acuerdo a los mandatos de la religión católica introducida. A partir de esta crónica propongo un cruce con mi propia biografía que parte de la premisa: “en la cultura mapuche no hay maricones”. Esta frase, dicha por mi abuela paterna, quien se denomina a sí misma como mapuche neta, es su reacción ante la presencia de un posible encuentro con un sobrino travesti. De esta forma, en la perfomance “You will never be a Weye” lo que se busca es la reapropiación de una identidad negada —a través del silencio— por la historia, la religión y el patriarcado, ironizando con trajes que simulan las vestimentas reales –como un disfraz– junto a una peluca sintética.


You will never be a Weye (2015)

Video performance, 1920×1080, HD, 4:46 minutes.

The European conquest has denied us a plethora of knowledge about our own indigenous cultures, a denial that also is extended –by the patriarchy’s command– to the control of our own identities and bodies. Before the arrival of the Spanish to the lands that are now fenced by the political borders of the Chilean state, there were Machis Weyes: subjects that did not adequate to the gender binary structure. The Machis Weyes were able to transit from what is feminine to what it is masculine, what is political (bound to men) and what is spiritual (bound to women).

These practices were registered in the chronic of the Spanish Francisco Ñúñez de Pineda y Bascuñán, who describes the Machis Weyes in his 1673 book El Cautiverio Feliz: “This one looked like Lucifer in his features, size and costume. He was not wearing underwear because he was of those called “hueyes”

(“Weyes”), that is to say, loathsome, and of those considered despicable, because they adjusted themselves to the purpose of women”

The Weyes were wiped out almost entirely after the arrival of the Spanish to the lands. Their annihilation was based, mainly, on the accusation of committing the sin of sodomy, according to the command of the recently introduced catholic religion. As of the above said I propose a crossing between this chronic and my own biography that starts with the premise: “In the Mapuche culture there are no faggots”. This phrase, said by my paternal grandmother, a pure Mapuche according to herself, was her reaction before the presence of a possible encounter with a transvestite nephew. In this specific way, in the performance “You will never be a Weye”, what is sought is the reappropriation of an identity denied –through silence– by the history, the religion, and the patriarchy, mocking the garments that simulate the actual clothes –as a costume- along with a synthetic wig.

Video registro: Alejandra Caro Rivera

Tantas veces apümngeiñ (2016)

Instalación: Resina, tierra y video. 500×60 cm,

El proyecto “Tantas veces apümngeiñ” nace en torno a la investigación de ejecutados y desaparecidos, 1973-1990, pertenecientes a la nación mapuche de los autores Conrado Zumelzu, Hernán Curiñir y Pablo Silva, Temuco, Enero de 2016. De la lectura de la investigación y posterior selección, se trabajó con 179 de los apellidos mapuches enlistados, los que, en su gran mayoría, realizaban labores vinculadas con la tierra y la agricultura.
La escultura expuesta parte de esta instalación es el reflejo del padre del artista, un hombre con ascendencia mapuche residente de la Región Metropolitana y de oficio feriante. A pesar de no poseer un vínculo directo con el trabajo en la tierra, el actor realiza trabajo directo con vegetales, siendo sus manos y su cuerpo afectados de manera similar a la de un trabajador agrícola.
Tras el cuerpo se extiende la frase “Tantas veces apümngeiñ” desglosada su explicación de la siguiente manera:
Ap (der.d “Af”) Acabar, finalizar, terminar algo. üm: sufijo causativo, que causa algo. Nge: voz pasiva, remueve al agente de la acción y coloca al paciente como sujeto de esta.Iñ: Desinencia verbal para primera persona plural: Nosotros.
Traducción: “Nos hicieron terminar/acabar” (Apümngeiñ) Traducción: Cristián Vargas Paillahueque
La materialidad utilizada en este trabajo consta de tierra extraída en la región de la Araucanía, mezclada con resina. Con estos materiales se construye el cuerpo y el texto.
El video expuesto en la instalación fue grabado en el sector de Collinco, próximo a Licanray, Región de la Araucanía, lugar donde el artista extrae la tierra, prepara para su uso, y finalmente la vuelve a su origen. La imagen está acompañada de un audio de las traducciones al castellano de cada uno de los apellidos elegidos.

So many times, apümngeiñ (2016)

Installation: Resin, mud and video. 500×60 cm

The project “Tantas veces apümngeiñ” (So many times Apümngeiñ) was born after the research of the authors Conrado Zumelzu, Hernán Curiñir and Pablo Silva on executed and missing people in Chile that belonged to the Mapuche nation, between 1973-1990. The research took place in January 2016 in Temuco, Chile. From the reading of the research and subsequent selection, 179 of the enlisted Mapuche last names were worked with, which mostly worked in areas related to the land and the agriculture. The shown sculpture that is part of this installation is the reflection of the artist’s father: a man with Mapuche inheritance, resident of the Santiago Metropolitan Region who works as a greengrocer. Despite not having a direct link to the land work, the subject has direct contact with the vegetables, being his hands and body affected similarly to an actual land worker. Behind the body there is the phrase “Tantas veces apümngeiñ” broken down to is explanation in the following way: Ap (deriv. “Af”) to finish, to put an end to something. Üm: causative suffix, to cause something. Nge: passive voice, removes the agent of the action and puts the

direct object as a subject. : verbal suffix for the first-person plural: we. Translation: “we were annihilated/finished” (Apümngeiñ). Translated by Cristián Vargas Paillahueque.

The materiality used in this work consists of soil extracted from the Araucanía Region, mixed with resin. With these materials the body and text are constituted. The shown video in the installation was recorded in Collinco, next to Licanray, Araucanía Region, place where the artist extracts the soil, prepares its use, and finally returns it to its origin. The image is accompanied by a sound recording with the translations of each one of the chosen last names to the Spanish language.

 

Asentamiento (2015)

Video, 1920×1080, FULL HD, 12 minutes.

Asentamiento es una pieza de video arte que muestra planos de rostros de personas con ascendencia mapuche. Los sujetos proceden de diversos lugares, tanto desde el interior de la cosmovisión mapuche, como también desde la distancia con la misma. El trabajo pretende revelar las diferentes condiciones de personas que poseen ascendencia indígena, tensando sus alcances hacia los prejuicios existentes sobre fenotipos estereotipados sobre los mapuche. El trabajo esta emplazado en Santiago, capital de Chile, ciudad que, según el último censo del 2012, la que más habitantes de la etnia tiene en el país.

Settlement (2015)

Video, 1920×1080, FULL HD, 13 minutes.

Asentamiento is a piece of video art that shows shots of people with Mapuche inheritance and their faces. The subjects come from very different places, such as the inside of the Mapuche world view, while others come from a distant position. The work pretends to unveil the different conditions of people with indigenous backgrounds, by stressing their own reach to the existing prejudices of certain stereotyped phenotype about the Mapuche people. The work was exhibited in Santiago, capital of Chile, city that, according to the last census, is the city with most inhabitants of this ethnic group in the country.

Camera: Alejandra Caro Rivera.

Asentamiento 1234

 

 

Apümngeiñ

Instalación
: Resina, escarcha negra, elásticos y cabello sintético, 500×40 centímetros.

“Apümngeiñ” es una instalación que consta de 5 caballos de resina negra y pelo sintético sobre suelo formando la frase que titula la obra. La figura del caballo refiere a la más potente imagen arraigada e introducida desde la invasión española. El cabello negro, liso, chuzo intenta representar el cabello indígena. Esta instalación presenta a caballos negros pisándose la cola (o el cabello). Aquello hace un nexo respecto al significado del mismo nombre —“algo que salió mal”—. La frase dispuesta sobre el suelo es una palabra compuesta del mapuzugun (mapudungun): Apümn es el verbo acabar traducido al castellano, geiñ es una referencia en presente hacia nosotros mismos, entonces la frase correspondería a “nos acabaron” o “nos aniquilaron”, siendo el trabajo en su conjunto una metáfora sobre la invasión y exterminio hacia los cuerpos indígenas.

Apümngeiñ (2015)

Installation: Resin, black glitter, elastic and synthetic hair, 500×40 centimeters.

“Apümngeiñ” is an installation that consists of 5 resin black horses with synthetic hair standing on the ground forming the phrase “Apümngeiñ”.

The horse refers to the powerful image the introduction of this animal to the continent meant to the indigenous people of Latin America, and, therefore, to the colony. The black and straight hair tries to represent the indigenous hair.

This installation present black horses stepping on their hair. This play on words refers to the popular idiom “to step on your own tail”, which can be translated as “to hurt yourself without noticing or to err without noticing”.

The phrase over the ground is a compound word that comes from the Mapuzungun: “Apümn”, which is the verb “to annihilate” translated as “geiñ”, which means “towards ourselves”. The phrase would correspond to “we were annihilated” or “we were finished”, being this work, as a whole, a metaphor about the invasion and the extermination of the indigenous people.

Photos: Diego Argote

 

Ni tan “pride”

Ni tan pride (2014)

 Instalación
:18 piezas de cerámica con engobe, 8 metros por 4 metros.

Exposición individual “Orgullo y prejuicio”
Exhibida en Museo de Arte Contemporáneo., Santiago de Chile.

“Ni tan pride” (Ni tan “orgullo”) son 18 piezas de cerámica engomadas que presentan la figura de un pony de hule desinflándose progresivamente en filas, por cromías de colores.

Los objetos varían desde las tonalidades del violeta hacia el rojo, completando la variedad de colores presente dentro de la bandera del orgullo LGTB. El trabajo toma una posición crítica sobre los modelos impuestos de homosexualidad, evidenciando el “desinflado” término de “igualdad” propuesto por organizaciones no gubernamentales y actores desde el núcleo de la comunidad gay, donde los insultos y categorización arbitraria de sujetos es permanente y denigrante hacia identidades que no presentan equivalencia entre su sexo y género.

 

 

Ni tan pride 1

Ni tan pride 2

Ni tan pride 3

Mínimo común denominador (2014/presente).

Objetos: Cerámica 1060ª, dimensiones variables según formato:

-7x3x3 cm.

-45x30x30 cm.

-90x60x60 cm

“Mínimo común denominador” es una obra compuesta por piezas de cerámica esmaltadas que se elaboran a partir de referencias a figuras del playmobil y versiones similares a este.
 Las piezas realizadas representan estereotipos y prejuicios sociales presentes en Chile y Latinoamerica que abordan problemas de clase, género, sexo y raza.

La obra se adecua al contexto, produciendo en la actualidad algunas piezas.

Lowest common denominator (2014/ present)

Objects: 1060º ceramic, various dimensions according to format:

-7x3x3 cm.

-45x30x30 cm

-90x60x60 cm

“Mínimo común denominador” is a work composed of two enameled ceramic pieces elaborated from references of Playmobile figures and similar versions of the sort. The pieces represent social stereotypes and prejudices present within the Chilean and Latin American cultures that address class, gender, sex and race issues.

The work is adapted to the context, constantly producing pieces that respond to contemporary events.

Photos: Alejandra Caro Rivera, Diego Argote y Juan Pablo Murrugarra.